UNIVERSIDAD DE CUENCA
FACULTAD DE ARTES
ESCUELA DE ARTES VISUALES
ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA
ESTUDIANTE: Belén Chalco
CURSO: 6to Artes Plásticas
ASIGNATURA: Estética Contemporánea
PROFESORA: Lic. Cecilia Suárez
Moreno
Año: 2014
EL
ABECEDARIO DE GILLES DELEUZE
F de fidelidad
En el siguiente ensayo daré a conocer
la entrevista de Deleuze para un canal Francés,
existiendo la amistad entre el filósofo y su alumna, logran establecer la
transmisión de la entrevista sea post
mortem, es decir después de su muerte, y consiste en que llegase a formar
veinticinco conceptos obtenidos de las letras del abecedario, cada inicial, cada palabra, se convierte
en la excusa para que Deleuze circule sobre un tema durante veinte minutos
aproximadamente.
Cuando
se habla de un abecedario Deleuziano, se piensa en algo que andaba dormido en
nuestro inconsciente, donde me parece fundamental su explicación de la
filosofía como creación de conceptos, y para ello he dado por elegir una
palabra de la cual la desarrollaré de acuerdo a su pensamiento; la palabra
Fidelidad se ha enmarcado en un constante de evolución, la cual nos convierte
en personas llenas de moralidad, con su estructura se ha logrado consolidad y
formar una sociedad de confianza.
“Para mí, es
un asunto de percepción. En este caos también, se trata… no de tener ideas
comunes, sino, ¿qué quiere decir tener algo en común con alguien? Es –digo banalidades–
cuando uno se entiende sin tener que explicarse. No es partir de ideas comunes,
sino que se tiene un lenguaje común, o un pre lenguaje[1]
común.”[2] El pensamiento siempre ha influido sobre el
lenguaje donde no existe lenguaje sin pensamiento del mismo modo que es lógico
que no exista una verdadera palabra si carece de sentido o de pensamiento, es
decir debe existir una comunicación ya sea donde los gestos o que una acción
recurra a una consecuencia sin tener que explicarlo todo sino sea algo que ya se
esperaba.
“El hecho de que distintas ideas están
conectadas es demasiado obvio para ser pasado por alto; y sin embargo no he
encontrado ningún filósofo que haya intentado clasificar o hacer un listado de
todas las fuentes y tipos de asociación. Esa tarea parece valer la pena. En lo
personal, me parece que sólo hay tres factores que conectan ideas las unas con
las otras, a decir, la semejanza, la contigüidad en el tiempo o el espacio, y la
causa o el efecto.” (Hume,13,1765), la información se transmite no solo con las
palabras, sino a través de los movimientos corporales, las posturas, la mirada,
la tensión del cuerpo, las posiciones, las distancias, la forma de andar, etc.
“Alguien
emite signos, uno los recibe, uno no los recibe… pero, a mi modo de ver, todas
las amistades se asientan en esas mismas bases: ser sensibles a los signos que
alguien emite. Dicho esto, creo que eso es lo que explica que uno pueda pasarse
horas con alguien sin decir una palabra, o preferentemente diciendo… no sé,
diciendo cosas completamente insignificantes”[3]
¿Se puede saber qué está pensando de verdad una persona, traduciendo solamente
uno de sus gestos? Los seres humanos en general utilizamos la mayoría de las
veces sin palabras para comunicarnos de forma inconsciente.
En síntesis,
la comunicación más importante es la que emite los gestos esta es la
comunicación conocida como la no verbal, la que va más allá de las palabras, la
que transmite los verdaderos sentimientos y el verdadero estado interior de la
persona, es un lenguaje que por consecuente no mentirá a diferencia de la
palabra, como pasa muy seguido hay palabras que dicen algo muy a lo contrario
lo que comunica la expresión corporal y los gestos.
"El
mundo del arte" George Dickie
Dickie empieza por hablar de las
primeras teorías del arte, remontándose a Platón para analizar la falta de una
teoría del arte lo suficientemente importante a lo largo de casi toda la
historia. El arte le interesaba como fenómeno social, que a su parecer era un
dispositivo peligroso por sus poderosos efectos negativos que causaba en las
personas. El mundo del arte es un concepto teórico que tiene, al menos, dos
interpretaciones distintas: por un lado, está la interpretación de George
Dickie en la que se basa su teoría institucional.
“George Dickie (n. Palmetto, Florida; 1926) es un Profesor Emérito de
Filosofía de la Universidad de Illinois en Chicago y uno de los más influyentes
filósofos de arte que trabajan dentro de la tradición analítica. Su teoría
institucional del arte suscita tanto entusiasmo como feroces críticas.”[4]
Un
artista debe poseer ’entendimiento’ en dos sentidos. El primero se refiere al
entendimiento del medio o los medios que dan la forma física a su obra. No es
necesario que el artista posea una gran maestría, con un entendimiento mínimo
del medio es posible empezar a crear arte. El segundo sentido de entendimiento
se refiere a poseer un grado de conciencia de la actividad artística.
El mundo del arte es una construcción
cultural formada por un conjunto de sistemas individuales como el teatro, la
pintura y la música, entre otros. No hay un criterio para aceptar o rechazar un
sistema dentro del mundo del arte.
Es importante dejar claro que una obra de arte
puede que nunca se haya presentado a un público y, no obstante, seguir siendo
obra de arte, pues lo que en realidad importa es que el artefacto tenga la
capacidad, por decirlo de alguna forma, de ser presentado a un público, aunque
de hecho nunca sea presentado.
La definición de público es similar a
la de artista y, como este último, debe poseer entendimiento en dos sentidos.
Por un lado, al igual que el artista conoce el medio o los medios para crear
una obra, el público debe tener un mínimo entendimiento del medio o los medios
en los está hecha la obra que le presentan. Por otro lado, el público debe
tener una idea general del arte.
“El fin de la modernidad” de Gianni Váttimo
Esta obra literaria nos habla sobre
el canon generalizado de la vida a causa de la influencia de los medios de
comunicación masivos, lo cual según él, provocó el fin del arte. Y es debido a
que en la actualidad, o más bien, desde comienzos del siglo XX se ha visto una
gran evolución en técnicas, temáticas y formas de expresión que han dado lugar
a un sin número de movimientos o corrientes artísticas.
“Gianni Vattimo (n. Turín, 4 de enero de 1936) es un importante filósofo
italiano, uno de los principales autores del postmodernismo y considerado el
filósofo del pensamiento débil. Seguidor de la corriente hermenéutica en
filosofía, y discípulo de Hans-Georg Gadamer. También se ha desempeñado en
política.”[5]
El arte contemporáneo refleja un modelo de
vida, una filosofía
y
una cultura que
ya ha decaído. El problema no
está en hacer una obra de arte,
sino
en creer que el arte tiene una naturaleza
especial o una suerte de superioridad espiritual; por
lo tanto, la obra de
arte es kitsch cuando se expone
al público, porque
esto
se
hace
solo si
existe
la
pretensión
de
comunicar con la obra
algo única y esencial.
Lo
que
Vattimo
dice es acerca
de
la
importancia
estética
de
los
medios masivos. Si bien los productos
de la industria del entretenimiento
son kitsch porque comparten la misma
estética obsoleta
de
la obra de arte culta;
por el otro son efímeros, transeúntes, desaparecen
sin
dejar
huellas
en
el
flujo
del
consumo.
Entonces,
gracias
a los medios masivos,
el kitsch se transforma en algo
efímero, un atributo que define a lo que, por su breve vida, no tiene tiempo de
generar problemas estéticos y filosóficos.
Banksy,
grafitti, 2010.
“El abuso de la belleza” de Arthur Danto
Arthur Danto, sostiene en "El abuso
de la belleza", los modernos tenían razón, al negar que la belleza fuera
esencial al arte: al mismo tiempo, la belleza es esencial para la vida humana,
dice, y no siempre debe ser exilada del arte, analiza cómo la belleza que fue un atributo esencial
del arte hasta comienzos del siglo XX, durante éste, fue rechazado como tal y
excluido de las artes que llama "miméticas", la pintura y la
escultura.
“Arthur C. Danto. Nacido en EE.UU. en el año 1924, fue Profesor Johnsonian Emérito de Filosofía en la
Universidad Norte Americana de Columbia. Deudor de la tradición hegeliana
en Estética, Danto abogó por una muerte del arte en el horizonte de la cultura
contemporánea. Danto ha desempeñado además el cargo de Vice-presidente y
Presidente de la American Philosophical Association. Entre su abundante
bibliografía destacan Después del fin del arte, La madonna del futuro,
Historia y narración y La transfiguración del lugar común, todos
ellos publicados por Paidós.” [6]
En el
capítulo que dedica a la obra la "Caja Brillo" de Andy Warhol, que
obtuvo un gran éxito en 1964 al presentar como obra de arte las cajas de un
jabón de lavar, que tenía un colorido envase para atraer a los consumidores. Se
pregunta, qué hace que las cajas de Warhol fueran arte y las mismas apiladas en
las estanterías de los supermercados con el mismo formato y color no lo fueran.
“¿Cuál es el actual significado de la belleza para
el arte contemporáneo? (…) Por qué se fue la
belleza y nunca más volvió. Por otro lado, también he procurado explicar por
qué es una opción y no una obligación o una necesidad para el artista el hacer
un objeto bello. Como consecuencia de esto, ofrezco un análisis que sugiere que
la opción de hacer algo bello está indicado cuando su ser bello contribuya al
significado de la obra. Yo llamo a eso belleza interna.”[7]
Últimamente,
algunos artistas, críticos y curadores de arte han empezado a contemplar la
belleza de distinta manera y el debate resulta impreciso, en la que ven la
belleza como una ilusión frente al verdadero papel del artista, mientras que
otros se esfuerzan por encontrar belleza en lo supuestamente grotesco o
repulsivo.
Caja de brillo, Andy Warhol, instalación
“Estéticas Caníbales” de Carlos Rojas
En su obra Estéticas
Caníbales Carlos Rojas nos habla sobre el estudio sobre la estética
actual, la clasificación de un canon posmoderno, el desplazamiento a través de
las estéticas caníbales, la cual consiste en una nueva estética que pretende
devorar a Occidente a tal extremo de transformarlo en otro y como resultado realiza un análisis del
pensamiento capitalista realizado por Kant.
Kant en sus obras intenta
acercarse a su lado científico pero sin alejarse del conocimiento empírico y
para esta apertura del saber, de una forma directa, pero a la vez cuestionable
hoy en día, ya que sólo aprueba una forma establecida, ontológicamente de toda
experiencia pero que a la vez le permite conocer la misma experiencia.
Carlos
Rojas habla sobre Kant donde sostiene que en sus escritos habría
desarrollado un fundamento teórico para el racismo en la forma que dice cómo Occidente prevalece
hegemónicamente sobre los otros países y se ha considerado un modelo para el resto
del mundo, la forma en que a Kant se lo atribuye como racista, sexista y euro
centrista.
En la obra Rojas propone terminar con este esquema de
países Orientales y Occidentales y nos invita a adentrarnos en temas de
contenido político que nos influyen a todos creando obras nuevas, dejando todo
lapso de pasado atrás, partiendo de un punto medio y proponiendo imágenes que
nos represente a todos.
Rojas, Carlos. Estéticas caníbales.
Cuenca. Editores del Austro, 2011.
“Las 15 tesis del arte
contemporáneo” de Alain Badiou
“Alain Badiou (Rabat, Protectorado francés de Marruecos, 1937) es un
filósofo, dramaturgo y novelista francés. Realizó estudios de filosofía en la
Escuela Normal Superior de París entre 1956 y 1961. Ha impartido lecciones en
la Universidad de París VIII y en la ENS desde 1969 hasta 1999, fecha en la que
fue nombrado director del departamento de filosofía de ésta. También imparte
cursos en el Collège international de philosophie. Fue discípulo de
Louis Althusser, influenciado por sus primeros trabajos epistemológicos.”[8]
I. El arte no es el descenso sublime de lo infinito hacia la abyección finita del cuerpo y la sexualidad. Es, en cambio, la producción de una serie de subjetivización infinita conducida a través de medios infinitos de un substrato material.
II. El arte no puede solo ser la expresión de una particularidad (ya sea étnica o personal…). El arte es una producción impersonal de una verdad dirigida hacia todos.
III. El arte es el proceso de una verdad, y esta verdad es siempre la verdad de un sensible o de una pulsión sensual; lo sensible como sensible. Con lo que quiero decir: la transformación de lo sensible en el acontecimiento de la Idea.
IV. Existe, por necesidad, una pluralidad de las artes, y sin amargo, podemos imaginar diferentes formas por las cuales las artes podrían cruzar, en donde no existe una totalización de esta pluralidad.
V. Todo arte comienza con una forma impura, y la purificación progresiva de esta impureza va transformando tanto la historia de una verdad particular y la de su agotamiento.
VI. El sujeto de la verdad artística es el conjunto que lo compone.
VII. Esta composición es una configuración infinita en nuestro contexto contemporáneo como una totalidad genérica.
VIII. Lo real en el arte es la impureza ideal concebida a través de su proceso de purificación. En otras palabras, el material del arte se determina por la contingencia de su forma. El arte es la formalización secundaria de la llegada de una forma sin-forma.
IX. La máxima del arte contemporáneo es no ser imperial. Esto también significa que el arte no tiene que ser democrático, si se entiende por democracia una conformidad con la idea imperialista de libertad política.
X. El arte anti-imperialista tiene que ser necesariamente arte abstracto: se abstrae de si mismo en todas sus particularidades, y llega a formalizar el propio gesto de su abstracción.
XI. La abstracción del arte anti-imperialista no se ocupa con ningún público o particularidad. El arte anti-imperialista está vinculado a cierta ética aristocrática-proletaria: de por si misma, hace lo que aclama, sin distinguir entre tipos de personas.
XII. El arte anti-imperialista debe ser tan riguroso como una demostración matemática, tan sorprendente como una emboscada en la noche, y tan elevada como una estrella.
XIII. El arte hoy solo puede tener como punto de partida, al menos en lo que se refiere al Imperio, que su estado es inexistente. A través de su abstracción, el arte materializa su inexistencia visible. Es en efecto esto lo que gobierna cada principio formal de cada arte: el esfuerzo de hacer visible para todos aquello que el Imperio (y por extensión para todos, aunque desde diferentes puntos de vista) no existe.
XIV. Ya que puede controlar todo el campo de lo visible y lo auditivo a través de las leyes que circulan en las esferas de “comunicación democrática”, el Imperio ya no tiene que censurar nada. Todo arte y todo pensamiento se arruinan cuando aceptamos la condición del consumo, de su comunicabilidad y su goce. Es por esto que debemos convertirnos crueles censores de nosotros mismos.
XV. Es mejor no hacer nada que contribuir a la invención de nuevas formas que hagan visible aquello que el Imperio ya de por sí reconoce como existente.
“15 tesis sobre arte contemporáneo; a
partir de Alain Badiou”, Ángela Brun, con alumnos de la Facultad de Bellas
Artes de Salamanca, 2011
[1] El pre lenguaje es
un sistema de comunicación rudimentario que aparece en el lenguaje de los bebés y
que constituye la base de la adquisición de este. Se da a través y mediante un
conjunto de cualidades necesarias para que el bebé pueda adquirir el lenguaje,
y constituyen capacidades neurofisiológicas y psicológicas entre las que
destacan percepción, motricidad, imitación y memoria.
[2] http://www.youtube.com/watch?v=HAGZ6y-drFo
[3] http://www.youtube.com/watch?v=HAGZ6y-drFo
[4] http://es.wikipedia.org/wiki/George_Dickie
[5] http://es.wikipedia.org/wiki/Gianni_Vattimo
[6] http://www.planetadelibros.com/arthur-c-danto-autor-000041873.html
[7] http://elpais.com/diario/2005/04/02/babelia/1112398750_850215.html
[8] http://www.monografias.com/trabajos909/alain-badiou-filosofia/alain-badiou-filosofia.shtml
